2021年临近尾声，纽约现代艺术博物馆（MoMA）摄影部和馆藏研究部近日推出了这一年度（出版日期在2020年7月至2021年8月之间）他们最喜欢的10本摄影集，这其中有聚焦社会议题的，也有只关注个体经历的。这些摄影集现在是MoMA图书馆收藏的一部分，也可以在设计商店里买到——作为这一年末节日季的记录。
在摄影类的艺术媒介中，出版正成为越来越重要的一环，各类影集不再只是作为面向大众的推广普及之用，其本身的创造力和实验性在近20年来达到了一个新的水平。许多年轻的摄影师更为看重的是他们的第一本摄影出版而非展览，或者说，他们正将“影集”这一传统形式当成是一场纸上展览来呈现。
1938年，沃克·埃文斯（Walker Evans）的摄影展在MoMA举行，这是历史上第一个在博物馆举行的个人摄影展。在展览举办之际，MoMA也出版了《沃克·埃文斯：美国影像》（ Walker Evans: American Photographs）一书，标志着其摄影出版计划的开始。除了自行出版之外，MoMA还会收藏各种摄影集，有一些会进入图书馆，供公众查阅。
2021年临近尾声，MoMA摄影部和馆藏研究部想要分享这一年度（出版日期在2020年7月至2021年8月之间）最喜欢的10本摄影集。这些摄影集现在是MoMA图书馆收藏的一部分，也可以在设计商店里买到——作为这一年末节日季的记录。
打开二人组赵峰与林慧义所创作的《贫困线》如同新闻报纸般的封面，就像是在拆开从街头买来的食物。里面有水果、蔬菜、蛋白质、零食和谷物，每一种都代表了一个人用一天的贫困线收入所能买到的食物量。这些照片是在36个国家拍摄的，每种食物都被放置在当天当地报纸的某一版面上。
这样的项目固然隐含了跨国之间的比较。在挪威，一天的贫困线收入可以买到大量的菠菜，而在其他国家则买不起新鲜蔬菜，这说明一些政府将其贫困线定在了一个不宜生存的标准。在美国，一篇关于度假屋的文章上覆盖着一堆干扁豆，暗示了贫富差距。在马达加斯加可以看到帝国主义对发展中国家的影响，那里 75 %的人口生活在贫困线以下，一天的贫困线收入只够买一条鱼，这条鱼被放在了一份法语报纸上，暗指殖民和反抗的历史。
整本书将“贫困线”与食物（或缺乏食物）联系在一起，让这个概念变得现实而紧迫，也将更为直观的生理反应带给观众——生存本能会告诉你，这些食物是够还是不够。
一间粉色的房间；一位穿着紫红色泳衣的年轻女子，胸前纹着十字纹身；还有一封打印的信件，摄影师在信中宣布，她想要终止和模特的合作。这就是别克·狄泊特最新出版的新书《阿加塔》的封面，张力十足。
别克·狄泊特于1986年出生于比利时，曾在根特皇家美术学院（Royal Academy of Fine Arts of Ghent）学习。狄泊特是玛格南图片社的一员，她和新一代的女摄影师为这个组织带来了新鲜力量。在过去十年里，狄泊特一直在精进着紧张而富有创造力的创作风格，拍摄题材基本上都是来自偶然的相遇，然后变成作品上的合作。
狄泊特的第五本书便是与波兰艺术家、表演者和性工作者阿加塔·科尔布斯（Agata Korbus）合作完成的，阿加塔成了这本书独特的主题。狄泊特与阿加塔于2017年在巴黎的一家脱衣舞俱乐部相遇，两人形成了某种奇妙的默契，她们一起去了希腊、黎巴嫩、德国、法国等地，在不同的地方和场景中拍摄照片，组成了这本书的内容。
这本书由雷蒙·佩斯（Ramon Pez）与别克·狄泊特一起合作设计，选用比较灵活的大开本呈现。这些图像几乎都是在夜间拍摄的，书页的背景又是黑色，使作品呈现出一种暗色调。摄影师和阿加塔之间的信息被穿插在照片之间。本书的装帧也很有意思，书页的折叠处还隐藏着其他图像，仿佛书中有书。
翻开《我不忍心看你哭泣》，第一张照片就已经牢牢吸引着你的目光：一个上身赤裸的男人、穿孔、纹身、牛仔裤外套着皮裤，手臂垂在两旁，手指微张。他坚定的目光与镜头相遇，仿佛在邀请你翻开这些在2020年拍摄的得克萨斯州黑人生活的亲密画面。几页后，我们看到房间里有一张空床，还有简陋的医疗设备，安静的景象因为旋转着的吊扇和衣柜附近的一个模糊的摄影轻轻晃动。这种令人回味的存在，精细的轮廓或光影，反复出现在拉西姆·福琼的摄影作品中，将我们引向故事的深处。
《我不忍心看你哭泣》的封面是一张温柔的拥抱，越往后翻，图像便转向了冲突。这里有人用纹身来遮住警察的子弹所造成的伤口；还有疫情笼罩下的阴影，为亲人的离世而悲痛；面对发生的种族歧视进行激烈抗议……
这本书里没有文字，而是让图像成为语言的主角。排序是经过精心设计的，引领着我们的情绪起伏，它抓出了爱、悲伤、家庭、社区、历史等共鸣，在黑白图像微妙的层次间被细腻地表达。
塞缪尔·福索出生在喀麦隆，现长居在巴黎，按照他的说法，不幸似乎总是跟着他，并启发了他宝丽来式风格的作品《666》。福索解释说，这个系列是以《圣经》中描述魔鬼的数字（一个不幸的数字）而命名的。
2015年中的两个月，福索会坐在椅子上一动不动，捕捉自己的各种情绪。他将自己摆在相同的红色背景下，不会太暗或太亮，焦点依旧是人的脸。这些图像是相同的，同时相差甚远。福索在这本书里捕捉到的，是作为人类，我们如何能够感受和表达各种独特的表情。翻开666张大尺寸的自画像，很难找到一种重复的情绪，尽管前一张照片上的情绪会挥之不去。
生活中有幸福、不幸福、有趣的时刻，脸部表达了这些不同的时刻，一直到生命的最后。因为只要我们活着，我们就在经历磨砺。”
在《最后的克鲁兹》一书中，拉托雅·鲁比·弗雷泽记录了通用汽车公司在 2018 年 11 月决定“重新分配”其在俄亥俄州洛德斯顿（Lordstown）工厂所造成的连锁反应。在运营了 50 多年之后，通用汽车于 2019 年 3 月停止了雪佛兰科鲁兹的生产，导致约 2000 名工厂工人及其家属背井离乡。这件事情在洛德斯敦造成了历史性的损失 ，使人们再次关注到这个“锈带”小镇，并成为政治争端的主题。
在这本书中，弗雷泽拍摄了美国工人阶级的黑白肖像，并与他们坚定的证词联系起来。由汽车工人、工会UAW 1112的摄影师凯西·金（Kasey King）在工厂内拍摄的彩色图片（弗雷泽不被允许在那里拍摄）也在书中呈现。《最后的克鲁兹》是一个严谨的、以研究为导向的项目，书中还列出了美国工会历史的时间表，以及作家可可·弗斯科（Coco Fusco）、艺术史学家本杰明· J ·扬（Benjamin J. Young）、策展人卡尔斯滕·隆德（Karsten Lund）和索尔维格·奥维斯特伯（Solveig Øvstebø）、社会学家沃纳·兰格（Werner Lange）的一系列精彩文章，此外还有马克思主义地理学家大卫·哈维（David Harvey）、美国参议员谢罗德·布朗（Sherrod Brown）和剧作家林恩·诺蒂奇（Lynn Nottage）的对谈文字。
弗雷泽的项目继承并发扬了戈登·帕克斯（Gordon Parks）社会议题性影集的传统，并与玛莎·罗斯勒（Martha Rosler）和艾伦·塞库拉（Allan Sekula）提出的理念相呼应。
古屋诚一以他为爱人克莉丝汀·高斯勒拍摄的一系列肖像照而被人所熟知。他们在一起七年，1978年相遇，直到1985年克莉丝汀自杀去世。他不停地给她拍照。“面对她，给她拍照，然后在照片里看到她，就像同时看到自己，发现自己。”古屋诚一于1980年写道。在高斯勒去世后的几十年里，古屋诚一继续重温他档案中的肖像，并通过被他取名为《回忆》的五本书与观众分享。我作为一名观众，这么多年来看见这些照片，开始熟悉高斯勒深邃的黑眼睛和棕色的直发，当我凝视着他，我能感受到故事中的心痛，因为我知道当她拍完这些照片后的某一个时刻，她会带走自己的生命。
2018年，当古屋诚一终于按时间顺序排列了高斯勒在那些年的肖像摄影——他忽然意识到，当他为她拍照时，她也在为他拍摄肖像：他们面对面。《面对面》汇聚了150张照片，成对排列。其中还穿插了其他的故事线索，比如在不同的城市间穿梭，比如一个孩子的出生……这段关系里不只有一个主角。
塔拉·卡纳克的书被装在一个薄薄的、不显眼的棕色书套里，汇集了她多年来收集的图像。有工作文档、从杂志上收集的图像、找到的护照照片、复印件、摆拍肖像的复制品，还有艺术家风格鲜明的写作贯穿其中。这本书的核心是一种形式，通过这种形式，卡纳克从她作为一个跨国被收养者的复杂角度，处理自己与出生地——秘鲁利马——的关系。“从出生到现在，当我第一次回到利马的时候，我已经快 30 岁了。我好像在我的身体之外，但我的身体仿佛属于那里，”她这样描述。“我确实感觉到了这种强烈的平行存在感，以及身体流浪时产生的失落或哀悼。”在尝试复刻摄影、重复图像和文本以及一系列的实验过程中，她揭示了作品的本质：时间、混乱、情感。作为一个对摄影的物质性深感兴趣的艺术家——她探索不同的摄影媒介，经常在暗房里冲洗自己的照片——卡纳克在这个项目中发现，“摄影过程本身”可以成为个人发现的入口。
《圣巴巴拉》是美国亚美尼亚裔摄影师戴安娜·马科西安的第一部出版作品。书中穿插着电影剧照和虚构的戏剧化情节，重构了艺术家在1990年代与她的母亲和哥哥从后苏维埃时代的俄罗斯流亡到美国的过程。故事是从母亲的叙述角度出发，灵感来源于20世纪80年代的美国肥皂剧《圣巴巴拉》，这是马科西安小时候爱看的电视剧。在出版这本书的过程中，马科西安邀请到了原电视剧的编剧之一琳达·迈尔斯（Lynda Myles）一同合作，并请了一组演员扮演她的家人。
故事分七个部分，概括来说，是一个关于美国梦希望与破灭的故事：从莫斯科的公寓到洛杉矶机场，她母亲在圣巴巴拉与一位年长的美国人举行了婚礼，并在加利福尼亚开始了新生活，几年后她母亲离婚了，全家搬到了旧金山。这本书融合了现实世界和电影元素，描绘了一个移民故事。
第一眼你会被这本书的装帧所吸引：手风琴式的折页浑然一体，摄影元素相互串联，除了西拉诺自己的作品，还有来自旧杂志的图像拼贴。整本书并非完全对齐，有节奏的流动中新旧交替。
这本书的快感在于，你不仅是在看，也在和它“游戏”。在你摆弄它时，艺术家的作品和几十年前的旧图像以不同的方式组合在一起，演绎新的故事。这种像极了蒙太奇的手法放大了影集的物理特征，同时解构了它的图像语法。这种迷藏般的互动方式，也和影集本身暧昧的主题遥相呼应。帕西菲科·西拉诺擅长运用色彩，使得《我希望我从未见过阳光》如书名所示，拥有充沛的情感能量，西拉诺形象地将其称之为“发烧的梦”。迷糊的梦里，是谁在望向你？
是摄影集，也是展览目录，亦充当着行政档案的功能，泰伦·西蒙的《跳蚤眼睛的颜色：图片集》是一个酝酿了九年的项目。以纽约公共图书馆庞大的图片收藏（Picture Collection）为主题和媒介，西蒙从文件的字面意义来寻找来源，在一个内在的元项目中，她制作了图片的图片。
纽约公共图书馆的图片收藏成立于 1915 年，长期以来一直是那些寻找各种视觉参考资料的人的天堂，从艺术家、设计师到记者、历史学家和单纯的视觉文化好奇者。西蒙从小就对图片收藏充满兴趣。这个图片库创建于互联网时代之前，拥有海量图像。图书管理员手工剪下图片，以一种特定的主观分类法将其归档，比如会有“废弃的建筑和城镇”，“事故”，“破碎之物”，“握手”，“夜景”，“后视图”，“气味”，“UFO”，“财富”这样主题的文件夹。西蒙用大尺幅的照片拍摄了这些文件夹中的图片，将松散关联的图像部分重叠，摆成一桌，唤起新的联想。在书的装帧方面，其中有57张独立的手撕版，并采用了各种独特的纸张。这本书还会有200多页的附录，专门复制图片收藏中的档案材料。